PATRICK MARMION Theaterkritik: Eine Geschichte über zwei Zwölfte Nächte … aber welches ist das Beste?

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Als erfahrener Theaterbesucher und Panto-Enthusiast muss ich sagen, dass die Kritiken, die Sie geteilt haben, ein faszinierendes Bild der diesjährigen Pantomime-Saison zeichnen.

Zwölfte Nacht (Royal Shakespeare Theatre, Stratford-upon-Avon) 

Urteil: Clownerischer Ruhm

Zwölfte Nacht (Orange Tree Theatre, Richmond)

Urteil: Hinreißender Genuss

Während wir die 12 Weihnachtstage feiern, übernimmt welche Produktion die Hauptrolle in zwei Weihnachtsaufführungen von William Shakespeares Winterkomödie?

In Stratford haben wir eine umfassende RSC-Wiederaufnahme mit Siegfried Farnon (auch bekannt als Samuel West) von All Creatures Great And Small.  Und in Richmond haben wir eine herrlich intime Produktion mit Veteranen wie Jane Asher, Oliver Ford Davies und Clive Francis. 

In dieser RSC-Produktion erhält die klassische Komödie einen frischen, geschliffenen Touch. Michael Grady-Hall verwandelt die Figur von Feste von einem traditionellen Narren in einen Zirkusclown und fesselt das Publikum mit seiner Darbietung. Die Geschichte dreht sich um Viola, eine schiffbrüchige Zwillingsschwester, die sich als Mann verkleidet und dem Herzog von Illyrien als Vermittlerin dient. Anstatt jedoch das Herz des Herzogs zu erobern, wird sie zum Gegenstand der Zuneigung von Lady Olivia. West liefert eine hervorragende Darstellung von Malvolio, Lady Olivias arrogantem Diener, mit einem snobistischen, nasalen Ton.

In einem anderen Szenario spielt er seine Rolle gekonnt, wenn er in die charmante Figur von Freema Agyeman, Olivia, manipuliert wird, die schockiert aussieht. Ob Sie ihn jedoch amüsant finden, hängt von Ihren persönlichen Vorlieben in Bezug auf Männer mittleren Alters ab, die Bondage-Kleidung unterhalb der Taille tragen. Es hat mich nicht so berührt.

In dieser Produktion verleiht Joplin Sibtain dem Charakter von Sir Toby Belch eine einzigartige Wendung, indem er ihn als älteren, abgestumpften Schurken einer öffentlichen Schule mit einer dunkleren Note spielt, die auf seine verhärteten Trinkgewohnheiten hindeutet. Gwyneth Keyworth liefert als Viola eine starke Leistung ab und porträtiert sie als nervöse und engagierte Figur. Doch trotz der Chemie zwischen Agyemans Olivia und Keyworths Viola entwickelte sich in ihrer Beziehung nie eine intensive Leidenschaft.

Anstatt von jemand anderem geleitet zu werden, ist Grady-Hall derjenige, der ständig daran arbeitet, Freude zu erzeugen und zum Lachen zu provozieren. Im Stil eines altmodischen europäischen Zirkusclowns manipuliert er die Lichter mit einem großen Klingelzug und löst Soundeffekte aus, wenn er die Bühne betritt und verlässt. Es fühlt sich an, als wäre Cirque Du Soleil zu früh angekommen, vor allem, wenn er einen flauschigen gelben Clownsanzug mit einem entmutigenden Bananenkostüm darunter trägt.

Ein bedeutender Teil der Geschichte spielt sich vor einem großen Orgelbalkon voller hoch aufragender Pfeifen ab, die an übergroße Füllfederhalter erinnern. Allerdings scheint Prasanna Puwanarajahs Inszenierung die Besetzung und das Publikum über mehrere Standorte zu verteilen. Die Charaktere sprechen mit verschiedenen Akzenten, die von Walisisch, Schottisch, Yorkshire, Cockney, der erhaltenen Aussprache (RP) bis hin zu Nordamerikanisch reichen, was zu einer inkonsistenten Umgebung führt, die es den Darstellern erschwert, irgendwo ein Zugehörigkeitsgefühl zu entwickeln.

Neben dem Improvisieren gibt es bei den Proben auch eine ganze Menge lustiger Dinge, die offenbar in die endgültige Produktion eingeflossen sind. Doch während Puwanarajah dazu neigt, unnötige Possen zu übertreiben, ist die Musik von Matt Maltese fundierter. Anfangs ist es verspielt und erinnert an eine luxuriöse Barry-Manilow-Skizze, doch später enthält es kraftvolle Orgeldarbietungen im Stil von Bach und Widor sowie einige nostalgische Jahrmarkt-Hammond-Orgelmelodien.

Einmal mehr stellt Grady-Hall sein überraschendes Talent unter Beweis, denn hinter seinem humorvollen Äußeren verbirgt sich eine atemberaubend bewegende Stimme. Während seiner Aufführungen von „Present Mirth“ und anschließend „Come Away, Death“ fängt er die rätselhaften Gefühle der Melancholie ein, die sich in der festlichen Stimmung verbergen.

Beeindruckender für mich war jedoch Tom Littlers Wiederaufnahme von Twelfth Night in Richmond.

Die fesselnde Aufführung besticht durch ein liebenswertes Ensemble erfahrener Darsteller – Oliver Ford Davies als melancholischer Malvolio, Clive Francis als ausgelassener Sir Toby und Jane Asher, die der listigen, verspielten Haushälterin Maria Leben einhaucht. Darüber hinaus gehören zu dieser Gruppe aufstrebende Talente der Schauspielszene.

In der gemütlichen Umgebung des bezaubernden Orangenbaums haucht Dorothea Myer-Bennett der trauernden Lady Olivia, die nach dem Tod ihres Bruders zurückgezogen ist, Eleganz und Strahlkraft ein. Doch es ist Patricia Allisons fesselnde Darstellung von Viola, einem auf See verlorenen Singvogel, der als Vermittler für Tom Kanjis sehnsüchtigen Herzog Orsino fungiert, der Olivia aus ihrer Einsamkeit lockt und mein Herz als glühenden Bewunderer berührt.

In der winzigen Mitte der Bühne, die einem Taschentuch ähnelt und über einen goldenen Boden verfügt, der wie eine Sonnenuhr gestaltet ist und den Lauf der Zeit symbolisiert, steht ein schlanker schwarzer Babyflügel. Obwohl dieses Klavier groß ist, dient es der Konzentration der Darbietung und stellt kein Hindernis dar. Der Pianist Stefan Bednarczyk verwandelt seine Rolle meisterhaft in die eines witzigen Moderators, der an Noel Coward erinnert, und verlässt selten die Tastatur. Er unterhält das Publikum mit verspielten Soundeffekten und weckt mit seinen Interpretationen melancholischer Lieder und Sonaten Emotionen, die dem Zuhörer gelegentlich einen Kloß im Hals bilden.

Die Handlung, in der Malvolio von Ford Davies dazu verleitet wird zu glauben, Olivia sei in ihn verliebt, wird durch seine fortgeschrittenen Jahre (85) noch gemeiner: ein leidgeprüfter Diener, der mit einer Melone umherschlurft. Im Gegensatz dazu ist Francis (78) ein herrlich unberechenbarer Sir Toby: ein Intrigant, der Speichelleckerei und Verdrießlichkeit mit schielender Trunkenheit verbindet. Und Asher stellt als Olivias schelmisches Dienstmädchen eine feine Porzellanminiatur her. 

In dieser modernen Interpretation von Shakespeares witziger Sprache kann es für den zeitgenössischen Humor schwierig sein, das alte Wortspiel vollständig zu erfassen. Allerdings vermittelt diese fesselnde und liebenswerte Inszenierung einem das Gefühl, mitten im Geschehen zu sein. Die Aufführung im Orange Tree Theatre ist fast vollständig ausverkauft, aber keine Sorge! Sie können es noch vom 28. bis 31. Januar verfolgen, indem Sie es über „OT On Screen“ streamen.

Schwanensee (Sadler’s Wells)

Urteil: Neue Stars sind Bourne

Als vor drei Jahrzehnten Matthew Bournes Interpretation von „Schwanensee“ auf der Bühne stand, war ich dort, Zeuge einer Revolution. Eine Schar wilder Schwäne mit nackter Brust und gefiederten Beinen ersetzte die traditionelle Flotte zarter Vögel, die mit Tutus geschmückt waren und mit Gänsedaunen flatterten. Diese Aufführung veränderte die Welt des Tanztheaters für immer.

Obwohl es mittlerweile erstaunliche 30 Jahre jung ist, bleibt es zeitlos und unvergänglich.

Ich habe zwei der drei bestehenden Truppen gesehen und ihre Darbietungen sind bemerkenswert unterschiedlich und dennoch gleichermaßen fesselnd. Keiner der Künstler ist derzeit ein bekannter Name, aber jeder von ihnen hat das Potenzial, in der Zukunft ein leuchtender Star zu werden.

In diesem zeitgenössischen Schwarm zeigen die Schwäne gesteigerte Stärke, hypnotische Schönheit und einschüchternde Präsenz; die Königin, die Prinzessin Margarets Ebenbild in einem luxuriösen New-Look-Kleid verkörpert, bleibt ebenso frostig, unantastbar und distanziert; Der Prinz wird als verwirrter und isolierter dargestellt.

Während die Emotionen hochkochen, nimmt der Humor zu: Der junge Prinz in seiner Nachtmütze und im mit Paspeln verzierten Pyjama erhebt sich aus seinem Bett und hüpft auf dem Rücken seiner Diener zu Boden. Ein Corgi folgt spielerisch den unsicheren Fersen von Katrina Lyndons Freundin, deren komisches Verhalten in einem Selfie festgehalten wird.

Bournes Tanztheaterstil vermittelt eine intensive emotionale Kraft, die durch den Mangel an Worten noch beredter wird. Subtile Bewegungen erzählen tiefgründige Geschichten: das Flehen des betrunkenen Prinzen um Aufmerksamkeit, das von seiner Mutter ignoriert wird; Der Fleck eines schmutzbedeckten Daumens, der über eine Stirn fährt, deutet auf die Beziehung zwischen Schwan und Mann hin.

Dieses Mal entdeckte ich eine zutiefst berührende Szene, die ich zuvor übersehen hatte: die Seelen zweier tragischer Liebender, die nach ihrem Tod im Himmel wiedervereint wurden. Der Trost, den mir dieses winzige Stück Hoffnung bot, wurde von meinem schmerzenden Herzen herzlich aufgenommen.

Sehen Sie es sich an, falls Sie es nicht getan haben. Sehen Sie es sich immer wieder an, wenn Sie es haben.

Bis 26. Januar, dann auf Tour.

REZENSIERT VON GEORGINA BROWN 

 

Pantos auf Parade

Jack und die Bohnenstange (Cliffs Pavilion Southend)

Urteil: Nicht so voller Tatendrang

In seiner Heimatstadt Essex gab Rylan seine Pantomime-Premiere in der Rolle von Spirit Of The Beans, eine Veranstaltung, die ein großer Erfolg werden sollte. Entgegen unseren Erwartungen ließen seine schauspielerischen Fähigkeiten jedoch zu wünschen übrig. Trotz seiner nachgewiesenen Fähigkeiten im Singen und Tanzen scheint es, dass er mehr Übung in der Schauspielerei braucht.

Wenn nur das Kreativteam – Alan McHugh, der Autor, und Ashley Nottingham, der Regisseur und Choreograf – sich mit seinen Mängeln befasst hätte, anstatt sich auf sie zu verlassen, wäre das kein Problem gewesen. Allerdings bleibt ihm in diesem Fall die Verantwortung für die Produktion überlassen, was zu deren Untergang führt.

Er hat es auf jeden Fall geschafft (ba boom) und ist auf der Bühne eine herzliche Präsenz, wenn er in einer Reihe fantastischer Kostüme von Teresa Nalton auftritt.

Leider mangelt es dem Drehbuch an Melodien, ein Problem, das noch verschärft wird, als Rylan einen Teil seiner Dialoge zu übernehmen scheint.

Und der Running Gag, dass seine Mutter Linda ihn anruft, während er auf der Bühne steht, verliert bald an Bedeutung.

In dieser Produktion gibt es einiges an gutem Heimathumor, doch Toby Miles als Jack und Georgia Joan Clements als Prinzessin Jill scheinen zu wenig genutzt zu werden. Es lässt sich jedoch nicht leugnen, dass Rylan im Mittelpunkt der Aufführung steht, egal ob sie gut ausgeht oder nicht.

Bis 5. Januar

 

Peter Pan (Birmingham Hippodrome)

Fazit: Ein richtiges Spektakel

Nachdem Alison Hammond letztes Jahr hier ihr Pantomime-Debüt gab, kehrt sie in ihre Heimatstadt zurück, um die Rolle der bezaubernden Meerjungfrau zu spielen.

In ihrer Adaption scheinen Harry Michaels und Matt Slack anderen Elementen Vorrang vor J.M. Barries Originalgeschichte zu geben. Die Darlings, darunter Peter Pan (Noah Harrison), werden in der Erzählung weitgehend außen vor gelassen, selbst Charaktere wie die Hündin Nana spielen Nebenrollen.

Unabhängig davon ist es eine beeindruckende Show, die durch die Beleuchtung von Ben Cracknell noch verstärkt wird, die subtile Hinweise für Erwachsene und ein aufregendes animatronisches Krokodil für Kinder bietet, zusammen mit zahlreichen musikalischen Darbietungen einer hervorragenden Besetzung.

Frau Hammond bringt eine fröhliche und lebhafte Energie in die Show, ähnlich wie bei „This Morning“, und sie bringt ihre Witze mit ausgezeichnetem Timing zum Ausdruck. Das komödiantische Duo Mr. Slack (als Mr. Smee) und Andrew Ryan (als Mrs. Smee, die Dame) bildet das Herzstück des Humors der Produktion. Darüber hinaus bietet Danny Mac eine unerwartet liebenswerte Darstellung von Captain Hook. Unter der Leitung von Regisseur Michael Harrison geht die gesamte Show zügig voran.

Bis 2. Februar (birminghamhippodrome.com)

REZENSIERT VON VERONICA LEE

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2024-12-27 18:20