Der Jahresrückblick: Eine ganze Menge Frauen

Die Jahre (Almeida Theatre, London)

Als lebenslanger Theaterliebhaber und erfahrener Kritiker mit über 30 Jahren Erfahrung muss ich sagen, dass mich die Produktionen im Red Rose Chain und im Buxton Opera House völlig verzaubert haben!

Urteil: Eine ganze Menge Frau

Als erfahrener Theaterbesucher mit langjähriger Erfahrung muss ich sagen, dass die Ereignisse dieser Woche im Almeida Theatre in Islington mich sowohl fasziniert als auch beunruhigt haben. Der plötzliche Stopp ihrer neuesten Produktion „The Years“ aufgrund des Unwohlseins mehrerer Männer ist ein ungewöhnliches Ereignis, das ich bei meinen zahlreichen Besuchen in verschiedenen Theatern auf der ganzen Welt noch nicht erlebt habe.

Während einer besonders intensiven Darstellung einer Abtreibungsszene in einem Film, der auf den feministischen Memoiren von Annie Ernaux (einer 83-jährigen französischen Nobelpreisträgerin) basiert, begannen sich die Schauspielerinnen Romola Garai, Gina McKee und Deborah Findlay schwindelig und schwach zu fühlen etwa zur Hälfte. (Berichten zufolge)

Also ging ich vorsichtig vor und trug vorsichtshalber eine Flasche Bachs Rettungsmittel bei mir. Tatsächlich ist der Bericht über ihre heimliche Abtreibung im Jahr 1963 ein herzzerreißender Moment in Ernaux‘ persönlicher Geschichte.

In ähnlicher Weise machte Garai Almeida mit seinem Bericht sprachlos. Dies lag zum Teil an der häufigen Verwendung von Ketchup, vor allem aber an den unverblümten Darstellungen, die mit einer „durch ihre Nabelschnur verbundenen Babypuppe“ verglichen wurden.

Wenn Ihre Verfassung robust genug ist, um mit solchen Themen umzugehen, und wenn Sie persönliche moralische Urteile für einen Moment beiseite legen können, wird es zu einem faszinierenden, amüsanten und emotionalen Bericht über die Geschichte des späten 20. Jahrhunderts – eine Perspektive, die von einer Französin geboten wird, die bemerkenswert offen ist über ihren Lebensweg von der Jugend bis ins hohe Alter.

Wir treffen sie als Kleinkind und erinnern uns an die Befreiung von Paris im Jahr 1944 vor dem Ende des Zweiten Weltkriegs.

Ihre Teenagerjahre, die sie in einer Klosterschule verbrachte, waren voller humorvoller Begebenheiten, während sie später während ihres Aufenthalts in einem Skigebiet auf harte, unangenehme Wahrheiten über Sex stieß.

Als glühender Bewunderer, der auf meine Vergangenheit zurückblickt, kann ich nicht umhin, mich an die tiefgreifenden Auswirkungen zu erinnern, die die Ereignisse auf mich hatten. Erinnerungen an eine Abtreibung, eine ebenso lebensverändernde wie persönliche Entscheidung, kommen hoch. Ebenso unauslöschlich sind meine Erinnerungen an den politischen Aktivismus, bei dem ich in den turbulenten Studentenaufstand in Paris im Jahr 1968 vertieft war. Die Welt schien sich unter unseren Füßen mit der seismischen Ankunft der Verhütungspille zu verändern – ein revolutionärer Moment, der die Landschaft von für immer veränderte persönliche Freiheit und die Stärkung der Frau.

1980 endet eine nur vage definierte Ehe- und Familiensituation mit der Scheidung. Später, in der Mitte des Lebens, kommt es zu romantischen Verstrickungen, die an Teenager-Schwärmereien erinnern. Es droht die Angst vor den Wechseljahren, zusammen mit dem seltsamen Phantom des Ruhestands, das in den neunziger Jahren und darüber hinaus anhält.

Als engagierte Beobachterin finde ich es unglaublich faszinierend, mich mit der rohen, ungefilterten Selbstwahrnehmung von Frauen zu befassen, wie sie Ernaux in ihren Werken darstellt. Die Frauen bei der Aufführung, die ich diese Woche besuchte, schienen diese Erkundung ebenfalls sehr zu genießen.

1. Sie hatten große Freude an der unerwartet verblüffenden, aber überwiegend humorvollen Darstellung des Lebens und der verborgenen Wahrheiten von Ernaux. (Paraphriert aus Ihrem ursprünglichen Satz)

Die Erzählung ihrer Geschichte spiegelt eine häufig zurückgelegte historische Route wider, doch ihre Vertrautheit erhöht lediglich ihre Relativität, ähnlich wie die Darstellung der fünf Darsteller, die Ernaux‘ verschiedene Lebensabschnitte verkörpern. Indem sie „wir“ verwenden, deuten sie darauf hin, dass diese Geschichte bei uns allen Anklang findet.

Unter der Regie der norwegisch-niederländischen Filmemacherin Eline Arbo entfaltet sich Ernauxs Erzählung in einer meisterhaft arrangierten Episodenreihe. Zu Beginn jedes Teils stellen sie ein antikes Foto auf einem weißen Hintergrund nach, das später als Tischdecke dient und mit Wein, Blut und verschiedenen Flecken versehen wird. Schließlich wird dieses schmutzige Tuch an der Rückseite der runden Bühne aufgehängt und dient als ergreifendes Symbol der Sterblichkeit.

Harmony Rose-Bremner porträtiert die jugendlichen Versionen von Ernaux als tollpatschigen Jungen und fügt Szenen mit Musik hinzu, wie zum Beispiel das Jodeln in Pink Floyds „The Great Gig In The Sky“ aus den 70er Jahren.

Als Teenager erforscht und kreiert Anjli Mohindra spielerisch einzigartige Körperübungen zur Selbstbefriedigung, die mit einer sportlichen Interpretation des Kamasutra verglichen werden können. Später wechselt die Erzählung zu Garai, der eine beunruhigendere Phase einleitet.

McKee bringt eine unbeschwerte Note in die unbeschwerte, aber wehmütige Phase der Lebensmitte und verbindet sie mit der neu entdeckten sexuellen Befreiung. Später schließt Findlay mit einer ergreifenden Reflexion über den Ruhestand.

Gemeinsam präsentieren diese fünf Frauen einen offenen, beunruhigenden und nachdenklichen Akt, den man treffend als „detektivische Verfolgung der Frau“ (auf Französisch „cherchez la femme“) bezeichnen könnte.

Die Früchte des Zorns (Lyttelton, National Theatre, London)

 Urteil: Arbeit der Liebe

John Steinbecks kraftvoller amerikanischer Roman „Die Früchte des Zorns“ war schon immer Ausdruck tiefer Zuneigung. Die Lektüre erfordert die gleiche Hartnäckigkeit und Widerstandsfähigkeit wie die Familie Joad, die während der Weltwirtschaftskrise der 1930er Jahre von ihrer Farm in Oklahoma vertrieben wurde und in Kalifornien nach einem gelobten Land des Überflusses suchte.

Für die Familie Joad bedeutet dies in Frank Galatis bedeutender Bühnenadaption des Romans eine 2.000 Meilen lange Reise mit 13 Reisenden, darunter Großeltern, die Mutter (Ma), der Vater (Pa), eine schwangere Tochter und ein Ex -Sträflingssohn, der unterwegs zufällig einen ehemaligen Prediger mitnimmt. Eingezwängt in ein altes, klappriges Auto erleben sie Strapazen wie Hunger, Verlegenheit, Desillusionierung und Aggression.

Carrie Cracknells hervorragende Inszenierung verkürzt die Dauer der Aufführung deutlich von anfänglich drei Stunden und 20 Minuten auf nur zwei Stunden und 45 Minuten (mit Pause). Obwohl wir für diese Abkürzung dankbar sein sollten, ist es wichtig zu beachten, dass die Produktion aufgrund der wiederkehrenden Themen über Kalifornien, der Geschichte des inhaftierten Sohnes und der teilweise übermäßig dramatischen Dialoge etwas repetitiv bleibt.

Cracknells Besetzung zeigt eine unnachgiebige Entschlossenheit, die den Charakteren (die gelegentlich ihren Untergang erleben) in Alex Eales‘ immerwährendem Fegefeuer-ähnlichen Bühnenbild ähnelt, das den düsteren Ton von John Fords Film von 1940 widerspiegelt.

Besonders hervorzuheben ist Harry Treadaways Darstellung von Tom, dem nervösen Sohn auf Bewährung, und Cherry Jones liefert eine lobenswerte Leistung als Ma Joad ab, indem sie inmitten von Widrigkeiten weise Worte sagt. Darüber hinaus besticht Natey Jones durch sein Charisma als desillusionierter Prediger, der immer noch an die Menschlichkeit glaubt.

In manchen Fällen gibt es zutiefst traurige Momente, die hervorstechen; häufig diskutiert werden die aktuellen Zustände in Migrantenlagern; und die bekannte Schlussfolgerung ist weiterhin genauso unangenehm beunruhigend wie zuvor. Zwischen diesen Szenen spielt ein Country-Quartett amerikanische Volksmusik und sorgt mit seiner lebhaften Hoedown-Darbietung für Freude.

Als jemand, der jahrelang unermüdlich und fleißig gearbeitet hat, kann ich mit Sicherheit sagen, dass dieser Ort für den Gelegenheitsbeobachter vielleicht nicht gerade attraktiv erscheint, wenn man dort eine gute Zeit verbringt. Aber diejenigen, die die protestantische Arbeitsethik besitzen, werden nicht enttäuschen. Ich habe festgestellt, dass harte Arbeit, Hingabe und Ausdauer oft auf unerwartete Weise belohnt werden, und das gilt auch in diesem besonderen Kontext. Die Befriedigung, eine Aufgabe gut erledigt zu haben, Fortschritte zu sehen und zu wissen, dass die eigenen Anstrengungen sinnvoll eingesetzt wurden, kann unglaublich erfüllend sein. Während also andere auf der Suche nach Freizeit vorbeikommen, finde ich Freude und Sinn in der stetigen, unerschütterlichen Verfolgung meiner Ziele.

Das Versprechen (Minerva Theatre, Chichester)

Urteil: Aussichtslos

Ende letzten Jahres stieß Pau Unwins letztes Stück, „The Enfield Haunting“, im Londoner West End leider auf schlechte Resonanz: ein alles andere als festliches Finale der Weihnachtszeit.

In seinem neuesten Werk mit dem Titel „The Promise“ erzählt er von Labours bemerkenswerter Nachkriegsleistung – einer Supermehrheit von 146 Sitzen, die ihr immense Macht verlieh, soziale Ungerechtigkeiten anzugehen. Diese Stärkung führte zur Verstaatlichung der Kohle-, Stahl- und Eisenbahnindustrie, zur Umgestaltung der Bildungssysteme und zur Gründung des National Health Service (NHS).

Nach Michael Sheens leidenschaftlicher Darstellung von Nye Bevan am Nationaltheater und Keeley Hawes‘ bahnbrechender Darstellung eines Nachkriegs-GP, der dieses Jahr im Donmar Warehouse Abgeordneter wurde, hebt Unwin nun Clare Burt als hitzige Labour-Abgeordnete für Jarrow, Ellen, hervor Wilkinson.

Wilkinson, eine Frau aus Manchester, die sich zutiefst für die Kämpfe der Arbeiterklasse einsetzte, war sowohl Asthmatikerin als auch Raucherin. Ihr Leben, das durch ihren frühen Tod abgebrochen wurde, hätte die Grundlage für Unwins Stück bilden können, aber ihre ergreifende Geschichte wird von der Menge unproduktiver Figuren in Westminster überschattet.

Aus meiner Sicht als treuer Bewunderer ist Clement Attlee, Premierminister laut Andrew Woodall, eine legendäre Figur, die oft mit formalem Anstand in Verbindung gebracht wird. Ernie Bevin, in diesem Zusammenhang Außenminister, ist ein sentimentaler Kerl, der aus dem West Country stammt. Hugh Dalton, Kanzler der gleichen Zeit, ist für seinen brodelnden Zorn und sein steifes Auftreten bekannt, während Nye Bevan, der damalige Gesundheitsminister, oft als ein eher arroganter walisischer Mensch dargestellt wird, der in seiner Beharrlichkeit und Strenge an einen Dalek erinnert.

In ihrer Rolle als Bildungsministerin fordert Burts Ellen Mut von allen um sie herum, auch wenn sie diplomatisch mit den koketten Annäherungsversuchen des stellvertretenden Premierministers Herbert Morrison, dargestellt von Reece Dinsdale, umgeht.

Stattdessen könnte Unwins Vermächtnis in zusammenhangloses, betrunkenes Geschwafel verfallen, gefolgt von einem Aufenthalt im Krankenhaus und einem vorzeitigen Tod im Alter von 55 Jahren aufgrund einer unbeabsichtigten Überdosis Amphetamin.

Die Inszenierung von Jonathan Kent schien ihrer Leistung nicht zu nützen. Obwohl während des Eröffnungsabends ein technisches Problem auftrat, kam es sowohl im Vorfeld als auch im Anschluss zum unangenehmen Lärm der Requisiten, die hinter der Bühne bewegt wurden.

In einem etwas ungewöhnlichen und umständlichen Bühnenaufbau integriert Joanna Parker in ihrem Entwurf mechanische Holzplattformen, die sowohl Schauspieler als auch Requisiten, beispielsweise einen ganzen Schrank mit Stühlen mit wackeligen Beinen, über die Bühne befördern.

Zu einem unerwarteten Schluss erscheint Martyn Ellis auf der Bühne. Er verkörpert Winston Churchill und verspottet Red Ellen (kurz vor dem Tod), die keuchend im Mittelpunkt des Scheinwerferlichts liegt, umgeben von einem speziell gestalteten Arrangement aus Rosenblättern.

Was soll das alles heißen? Es gibt kaum Hinweise darauf, dass jemand diese Frage gestellt hat.

Ein Sommernachtstraum (Theater im Wald, Sutton Hoo, Suffolk)

Urteil: Baumvernünftig

Mein Traum war von einer Sommernacht, einer lauen, nicht vom Regen durchnässten, und durch etwas Feenzauber bekamen wir ihn für diese bezaubernde, fantasievolle Open-Air-Aufführung in Sutton Hoo, der Grabstätte eines angelsächsischen Königs vor 1.500 Jahren. in der Landschaft von Suffolk.

In dieser tatsächlichen Umgebung, einem „Gruselwald“, wenn man so will, wurde eine Bühne aufgebaut, und Shakespeares geliebte Komödie spielte sich unter einer beeindruckenden, hoch aufragenden Edelkastanie ab. Als Oberon sang: „Ich kenne eine Bank, wo der wilde Thymian wächst“, befanden wir uns genau dort.

Die Szene ist absolut ideal – nicht nur das, auch die Darsteller sind außergewöhnlich! Wir haben sieben vielseitige und begabte Künstler, die alle zwanzig Rollen übernehmen und nahtlos zwischen ihnen wechseln, ohne jemals den Rhythmus zu verlieren. Dies ist an sich schon eine beeindruckende Demonstration von Energie und Kreativität.

Vincent Moisy spielt neben Demetrius und Mustardseed eine herausragende Rolle als Bottom. Unterdessen glänzt Ailis Duff in den Rollen von Peter Quince, Helena und Peaseblossom. Die außergewöhnlichen Puppen, die für die Feen geschaffen wurden, hinterließen einen bleibenden Eindruck.

Trotz der in „Ein Sommernachtstraum“ wiederkehrenden Themen über die Härte und Unvorhersehbarkeit der menschlichen Liebe, die mit der schelmischen Natur von Amor verglichen werden, zeichnet sich das Stück vor allem durch seine komödiantischen Elemente und seinen fröhlichen Geist aus.

Joanna Carrick ist eine innovative Regisseurin, die für ihren einzigartigen Ansatz beim Geschichtenerzählen bekannt ist, bei dem sie den Respekt vor traditionellen Elementen gekonnt mit ihrer unverwechselbaren persönlichen Note verbindet. Während einige den übermäßigen Einsatz von Beilagen, Improvisationen und musikalischen Einlagen vielleicht zu viel finden, spricht die Reaktion des begeisterten Publikums Bände über seine Wertschätzung.

Es scheint unwahrscheinlich, dass „You Were Always On My Mind“ von Elvis Presley oder der „Zorba’s Dance“ aus Griechenland Teil von Shakespeares Originalwerken waren, aber ich glaube, wenn er die Chance dazu gehabt hätte, hätte er diese Stücke als ansprechend empfunden und sie vielleicht sogar integriert in seine Stücke.

Seit nunmehr 25 Jahren präsentiert The Red Rose Chain seine Sommershows in der Nähe seines Hauptsitzes in Ipswich; ein bemerkenswerter Meilenstein für ein Gemeinschaftstheater mit kleinem Budget. Auf viele weitere erfolgreiche Saisons!

REZENSIONIERT VON TONY RENNELL 

Die Gondolieri und die Piraten von Penzance (Buxton Opera House) 

Urteil: Zwei nationale Schätze zu wertvollem Leben erweckt

Erlauben Sie mir, als Kenner des Lebensstils und der Kultur, meine Sicht auf „Die Gondolieri“ zu teilen – Arthur Sullivans großes Werk in Zusammenarbeit mit W.S. Gilbert. Dieses Werk sticht aufgrund seiner Fülle an Musik aus ihrer Zusammenarbeit hervor und ist ein wahrer Beweis für Sullivans musikalisches Können. Besonders hervorzuheben ist das Finale des ersten Akts, das einen unauslöschlichen Eindruck im Theatererlebnis hinterlässt. Darüber hinaus überlagert die Partitur nahtlos Melodie für Melodie und schafft so eine bezaubernde Symphonie, die noch lange nach dem Schließen des letzten Vorhangs nachklingt.

Als erfahrener Opernliebhaber, der jahrelang Aufführungen besucht hat, kann ich getrost sagen, dass man sich die Produktion der National G&S Opera Company beim diesjährigen G&S Festival in Buxton nicht entgehen lassen sollte. Nachdem ich sowohl die übertriebene „Merry Widow“ in Glyndebourne als auch andere Produktionen gesehen habe, kann ich bestätigen, dass die Interpretation der National G&S Opera Company eine beeindruckende Balance zwischen spielerischen Akzenten und der Treue zum Wesen der Musik schafft.

Butteriss selbst spielt den Herzog von Plaza-Toro, Gaynor Keeble ist seine Herzogin, während Kelli-Ann Masterson als gemeinsame Tochter Casilda und Sam Marston als Schlagzeuger Luiz eines der drei Liebespaare sind. Der Tenor David Webb und der Bariton Charles Rice sind herausragende Gondolieri Marco und Giuseppe, verlockend gepaart mit der Sopranistin Ellie Neate als Gianetta und der Mezzosopranistin Meriel Cunningham als Tessa. Der Großinquisitor Don Alhambra wird von Toby Stafford-Allen genüsslich dargestellt.

Als eingefleischter Bewunderer muss ich sagen, dass Butteriss‘ Interpretation von „Die Piraten von Penzance“ auf dem Festival geradezu belebend ist! Seine Darstellung des zwielichtigen Generalmajors strahlt sowohl eine makellose Darbietung der schnellen Gezwitscherlieder als auch eine tiefe emotionale Resonanz aus. David Webb verleiht Frederic eine rührende Tiefe, während Rebecca Bottone als Mabel in „Poor Wand’ring One“ eine beeindruckende Bandbreite an hohen Tönen präsentiert, die wirklich neidisch sind. Charles Rice ist in der Rolle des Piratenkönigs bezaubernd, obwohl die Rolle seine stimmlichen Fähigkeiten etwas zu untergraben scheint.

Das Festival endet am 10. August, die Opern sollen jedoch zusammen mit „HMS Pinafore“ und „Trial By Jury“ vom 5. bis 7. September in den Malvern Theatres aufgeführt werden.

REZENSIERT VON TULLY POTTER

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2024-08-02 04:05