Der brutalistische: Oscar gebundenes Drama voller Größe und großer Schauspiel, aber fehlerhaft

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Der Brutalist (18, 214 Min.)

Urteil: Beeindruckend, aber fehlerhaft

Es ist bemerkenswert, dass als Brutalist eine mächtige Darstellung der amerikanischen Einwanderungsreise in die Kinos trifft, stellt der 47. Präsident der USA das Ausschlussverfahren für viele Einwanderer ein.

Bitte beachten Sie, dass seit dem Debüt des Films bei den Filmfestspielen von Venedig fast fünf Monate vergangen sind und er seitdem zahlreiche Auszeichnungen erhalten hat.

Als treuer Bewunderer möchte ich hervorheben, dass Adrien Brody für seine außergewöhnliche Darstellung einer ungarisch-jüdischen Architektenfigur mit einem Golden Globe geehrt wurde. Dieser Mann, der die Gräueltaten des Konzentrationslagers Buchenwald überlebte, begab sich auf eine neue Reise in Amerika, wo er sein Leben und seine berufliche Laufbahn fleißig neu aufbaute.

Brody ist stark bevorzugt, um einen Oscar zu gewinnen. In der Zwischenzeit wurde der Autor-Regisseur Brady Corbet (und Mona Fastvold, sein Partner) mit zahlreichen leuchtenden Beschreibungen gelobt und sogar mit einem Golden Globe anerkannt. Anstatt ihre privaten Gespräche zu diskutieren, konzentrieren wir uns auf die wesentlichen Beiträge, die sie in ihrer Arbeit geleistet haben.

Der Film, der die beiden Themen Assimilation und Architektur thematisiert, wurde als „massiv“, „grandios“ und „umwerfend“ bezeichnet. Nun kann ich auch sagen, dass es „euphorisch“ ist, aber das liegt daran, dass es mir so viel Freude bereitet hat, als die 15-minütige Pause kam. Der brutalistische Film ist ziemlich lang.

Ehrlich gesagt würde ich es lieber vermeiden, übertriebene Lobeshymnen anzuhäufen, aber ich kann nur meine ehrlichen Gedanken äußern. Es gibt in der Tat zahlreiche herausragende Aspekte dieses Films, vor allem die schauspielerischen Leistungen, allerdings neigt er im Mittelteil dazu, den festen Halt in der Handlung zu verlieren und auf zusammenhangslose und ablenkende Nebenpfade abzudriften, die übertrieben, ziellos und zügellos wirken.

Lassen Sie mich in meiner Leidenschaft als hingebungsvoller Fan einen Gedanken ausdrücken, der trivial erscheinen mag Englische Grammatik.

Als Lifestyle -Experte war ich immer fasziniert von der Kunst, authentische Akzente in Filmen zu erstellen. Zum Beispiel hatte Brody in seiner Rolle einen Akzent, der Berichten zufolge mit KI verbessert wurde und seine Leistung mit dem echten ungarischen Akzent des Herausgebers des Films, David Jancso, verschmolz. Ich denke jedoch oft über die Besonderheit nach, einen dicken fremden Akzent für Vokalgeräusche zu haben, doch die Satzstruktur bleibt bemerkenswert makellos und makellos.

Von Anfang an ist klar, dass „der Brutalist“ tief im Bauwesen verwurzelt ist, aber es ist so viel mehr als nur Gebäude. Als Lifestyle-Experte habe ich mich von der Geschichte von Laszlo Toth (Brody) angezogen, einem Architekten in Bauhaus, dem wir inmitten des Chaos des Nachkriegs-Europas begegnen. Seine Reise endet jedoch nicht dort; Er beginnt eine Reise, die ihn nach New York Harbor führt, wo der erste Einblick in die Freiheitsstatue die Bühne für die komplexen Erfahrungen bereitet, die erwarten. Die Lady Liberty, die groß steht, ist mehr als nur ein Symbol; Es repräsentiert den Reiz des amerikanischen Traums, der, wie Brody entdeckt, nicht immer so vielversprechend ist, wie es scheint.

Zunächst hat es viel Optimismus. Bemerkenswerterweise gibt es einen emotional rührenden Moment, in dem sich Toth mit seiner assimilierten Cousin Attila (gespielt von Alessandro Nivola) wiedervereinigt. Sie nehmen an, als ob sie das Schicksal herausfordern würden, es nie wieder zu trennen.

Attila, ursprünglich Toth genannt, betreibt ein Möbelgeschäft in Philadelphia, bekannt als Miller & Sons. Um sich in die amerikanische Kultur einzuschließen, änderte er seinen Namen und schuf das Konzept, Nachkommen für ein Familienunternehmen zu haben, von dem er glaubt, dass er die Amerikaner anspricht. Trotz dieser Bemühungen bleibt Toth intensiv und leidenschaftlich und assimiliert niemals vollständig. Der anhaltende Schatten des Antisemitismus beeinflusst subtil den einzigartigen Stil und die Ideologie seiner modernistischen architektonischen Designs.

Atilla gibt ihm einen Job, aber nachdem ein Auftrag schiefgeht, zerstreiten sich die Cousins.

Während Toths Abhängigkeit von Alkohol und Heroin stärker wird, ist er gezwungen, Arbeiten an Baustellen zu übernehmen. Schließlich kommt er unter den schützenden Flügel der unvorhersehbaren Figur von Tycoon und der Gesellschaft, Harrison Lee Van Buren, dargestellt von Guy Pearce.

Nachdem Van Buren ihn damit beauftragt hat, ein großes Gemeindezentrum zu errichten, das er nach seiner verstorbenen Mutter benennt, glaubt Toth, dass sein amerikanischer Traum verwirklicht wurde, auch wenn der arrogante und herablassende Sohn seines Gönners, Harry (gespielt von Joe Alwyn), heimliche Abneigung hegt.

Neben zahlreichen Tonnen Beton investiert er nicht nur körperliche Anstrengungen, sondern auch seine tiefen Emotionen in dieses Projekt. Symbolisch ruht es jedoch auf instabilem Boden. Die Toths mögen hart, hart und widerstandsfähig sein, aber die Van Burens verdienen seine Zuneigung nicht und können seinen Geist nicht kaufen.

Die Ereignisse bleiben faszinierend weiter, aber die Geschichte unterscheidet sich unerwartet nach einem angenehmen Zwischenspiel, wenn aufgrund des Gesetzes über Vertriebene und ein gewisser Einfluss von Van Buren, Toths Osteoporosis-betroffene Frau Erzsebet (Felicity Jones) und seine Mute Nichte Zsofia (Raffey Cassidy), ausgewirkt, von Van Buren. schaff es, sich ihm in Amerika anzuschließen.

Elisabeths Anwesenheit verleiht dem Stück ein beunruhigendes psychologisches und sexuelles Element, das unnötig erscheint. Achten Sie später vor, da es eine Vergewaltigungsszene gibt, die noch beunruhigender ist, weil sie ohne vorherige Warnung auftritt.

Was das narrative Geschichtenerzählen angeht, zeigt „The Brutalist“ authentische Größe und Ehrgeiz. Der Film ist visuell atemberaubend, verfügt über eine beeindruckende Kinematographie und Musik und kann sich in vielerlei Hinsicht neben ikonischen Einwandererfilmen wie „Der Pate: Teil zwei“ (1974) behaupten. Doch im Gegensatz zu Letzterem, bei dem Waffen das zentrale Thema sind, ersetzt dieser Film durch Träger ein ähnliches Gefühl von Spannung und Kampf.

Brody ist ausgezeichnet, so zu pearce. Aber der Film fließt nicht so, als würde ich immer gehofft.

Es bringt uns weit über die erwartete Mezzanine-Ebene hinaus, aber niemals bis an die Decke.

 

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Wenn Spukhaus-Horror auf Serienmörder-Thriller trifft

Steven Soderbergh schreibt ein Buch über das Handwerk der Filmregie, wobei Steven Spielbergs Film „Der Weiße Hai“ als erste Demonstration prägnanter, aber wirkungsvoller visueller Erzählkunst dient.

In einfacherer Hinsicht hat der von ihm erstellte Film einen guten Start, da Soderbergh innerhalb von knapp 90 Minuten einen spannenden übernatürlichen Thriller geschickt konstruiert, der Sie sofort fesselt und aufrechterhält.

Mit einer Handkamera erzählt Soderbergh die Geschichte aus der Perspektive der mysteriösen Einheit, die eine Vorstadtresidenz verfolgt.

Neu bewegt sind aufdringliche Mutter Rebecca (Lucy Liu), verheiratet mit dem viel weicheren Chris (Chris Sullivan).

Als eingefleischter Fan bin ich tief in das Leben von Tyler (Eddy Maday) und Chloe (Callina Liang), diesen Teenagern, die meine neue Besessenheit sind, tief in das Leben vertieft. Tyler ist mit seinem dreisten Verhalten eine Figur, die meine Aufmerksamkeit erregt hat. Aber es ist Chloe, dessen Leben durch die tragischen Todesfälle ihrer beiden Schulkameraden erschüttert wurde und die mir wirklich an meinen Herzen zieht. Sie trägt eine schwere Traumata, und ich kann nicht anders, als eine starke Verbindung zu ihrer Geschichte zu spüren.

Soderbergh verbindet meisterhaft eine traditionelle Geistergeschichte mit Elementen einer gruseligen Serienmörder-Spannung und vertieft sich in die Komplexität jugendlicher Sexualität und Gruppendynamik. Es ist ein beeindruckendes filmisches Werk.

Soderbergh kombiniert kunstvoll eine übliche Spukhaus-Erzählung mit der Intensität eines Serienmörder-Thrillers und konzentriert sich dabei auf Themen wie Teenager-Sex und den Einfluss von Gleichaltrigen. Das Ergebnis ist ein bemerkenswertes Stück Filmemachen.

Fluchtrisiko (15, 91 Min.)

Mel Gibsons „Flugrisiko“ hat eine leicht verlängerte Länge, fällt jedoch zu kurz, indem es versucht, einen Überschuss an Handlungssträngen zu packen, anstatt sich effektiv auf einige Schlüsselelemente zu konzentrieren.

In einer Verschiebung ihrer eleganten Rolle als Lady Mary aus Downton Abbey nimmt Michelle Dockery eine neue Herausforderung als US -Marschall. Ihre Aufgabe ist es, den sicheren Transport eines entscheidenden Zeugen (Topher Grace) zu gewährleisten, der in einem Fall gegen einen berüchtigten Mob -Chef von entscheidender Bedeutung ist. Diese Reise führt sie von Alaskas eisigen Landschaften in die geschäftige Stadt Seattle.

Leider entpuppt sich der Pilot (ein grimmiger Mark Wahlberg) als Killer, der von den Bösewichten angeheuert wurde.

Die Geschichte scheint ausreichend zu sein, aber es gibt ein wenig Absurdität rund um unehrliche Polizeibeamte, die Ihre Entschlossenheit, den Film bis zu seinem absehbaren Ende anzusehen, auf die Probe stellen könnte.

Zurück in Aktion

Der Titel „Back In Action“ des Netflix-Films könnte auf Cameron Diaz, eine der Hauptdarstellerinnen, hinweisen, die nach über einem Jahrzehnt Abwesenheit ihr Comeback auf der Leinwand feierte.

Es steht ihr frei, ein weiteres Jahrzehnt mit dem Schreiben zu verbringen, wenn sie mit der gleichen unscheinbaren Herangehensweise wie bei diesem angeblichen „Geheimagententhriller“ fortfährt. Anstatt sich auf müde Klischees zu verlassen, in den ersten Minuten MI6, Triaden und KGB zu benennen und sich nicht zu verbessern, sollte sie nach mehr Originalität und Tiefe streben.

Erstaunlicherweise stimmten auch Glenn Close und Andrew Scott zu, mitzumachen.

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2025-01-24 05:04