Churchills und Stalins betrunkene Eskapaden in Moskau

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Churchill in Moskau (Orange Theatre Tree, Richmond) 

Urteil: Krieg der Worte 

Der erfahrene Dramatiker Howard Brenton erweckt gerne historische Ereignisse mit authentischen menschlichen Charakteren zum Leben.

Er ist vor allem für sein Theaterstück „Die Römer in Großbritannien“ aus dem Jahr 1980 bekannt, das dazu führte, dass Mary Whitehouse eine Klage gegen das National Theatre einreichte, weil es angeblich eine „unangemessene Handlung“ aufgeführt habe. Der Grund dafür war eine Szene, in der ein römischer Soldat einen unglücklichen Kelten brutal angreift.

45 Jahre später setzt Brenton seine Theaterarbeit fort, wenn auch nicht mehr so ​​radikal wie früher. Seine neueste Produktion dreht sich um Winston Churchills Reise nach Moskau im Jahr 1942, wobei Roger Allam und Peter Forbes die Hauptrollen spielen.

In einem zweiten Versuch, eine historische Figur darzustellen (seit „The Churchill Play“ im Jahr 1974), präsentiert Brenton Winston, gespielt von Allam, der Stalin, dargestellt von Forbes, vor einer Verzögerung an der zweiten Front in Frankreich warnt, was möglicherweise Hitlers Offensive gegen Russland erleichtern könnte.

Brenton erschafft zwei klar porträtierte dominante Charaktere, die durch die Perspektive fiktiver Dolmetscherinnen gefiltert werden. Churchill, bekannt für seinen scharfen Verstand und sein aufbrausendes Temperament, verkörpert eine aristokratische Figur. Stalin, der einen westlich geprägten Dialekt hat, stammt aus einfachen Verhältnissen.

In beiden Fällen gelingt es Brenton, sie zu irritieren, besonders wenn sie zu viel Wodka und georgischen Wein getrunken haben. Anders als Jon Culshaw, der sich vollständig verwandelt, verändert Allam seine Stimme nur geringfügig und behält einen satten Bass, der an Churchill erinnert. Er trägt eine überzeugende Glatzenperücke und nimmt eine würdevolle Haltung ein, die an einen Staatsmann erinnert.

Aus der Sicht eines leidenschaftlichen Fans wirkt seine Redseligkeit wie eine anmaßende Invasion, verglichen mit Forbes‘ schroffer, bulliger Haltung, die ich nur mit der des berüchtigten Stalin vergleichen kann. Obwohl er einen imposanteren Schnurrbart trägt, der an ein Walross erinnert, ist es seine üppige Mähne, die ihn wirklich auszeichnet und einen unauslöschlichen Eindruck hinterlässt.

Tom Littlers robuste Inszenierung bietet einen buchstäblich hautnahen Blick auf die Geschichte, abgemildert durch einen Hauch von Varieté-Humor. Die Übersetzer Jo Herbert und Elisabeth Snegir bieten eine Pause von der Effekthascherei der Hauptfiguren. Alan Cox sorgt als nervöser britischer Botschafter, der versucht, Churchills Indiskretionen zu verbergen, für Lacher.

Als hingebungsvoller Bewunderer finde ich, dass sowjetisches Innendesign einen ganz besonderen Charme besitzt, der durch eine Deckenleuchte gekennzeichnet ist, die an eine Satellitenschüssel erinnert. Und oh, die Melodien, die durch die Szenen wehen, sind nichts anderes als die mitreißenden Melodien kommunistischer Paradehymnen – ein fesselndes Echo der Ära.

Mittlerweile ist eine Rückerstattung der Eintrittskarten nur noch möglich; sollte die Aufführung jedoch jemals an einen anderen Ort verlegt werden, könnte sie möglicherweise noch prächtiger und großartiger im sowjetischen Stil werden.

 

Vorgelagerte Inseln (Jermyn Street Theatre, London)

Urteil: Das Paradies wurde aufgehoben 

Auch diese Geschichte spielt sich in einer beinahe kriegsähnlichen Umgebung auf einer abgelegenen Insel im Westen Schottlands im Jahr 1939 ab. Zwei junge Vogelforscher werden hierher geschickt, um die dortige Papageientaucherkolonie zu untersuchen.

Das 2002 vom schottischen Autor David Greig verfasste Stück verwandelt sich allmählich in eine an den Garten Eden erinnernde Erzählung, während unsere beiden Vogelbeobachter Zuneigung für die attraktive Nichte des strengen presbyterianischen Inselbauern entwickeln.

Greigs Stück ist reich an Themen wie den Balzritualen der Papageientaucher, menschlicher Intimität, alten spirituellen Glaubensvorstellungen und den Anthrax-Experimenten des britischen Militärs. Es wird auch angedeutet, dass die attraktive Figur Ellen eine besondere Zuneigung zu Laurel und Hardy hegt.

Jessica Lazars Interpretation hebt jedoch das zentrale, sinnliche Thema des Stücks wirkungsvoll hervor. Whitney Kehinde verströmt als Ellen subtil einen verführerischen Charme, Bruce Langley spielt den führenden Naturforscher mit einem schlauen, streberhaften Charme und Fred Woodley Evans porträtiert seine Figur mit spürbarer sexueller Angst.

Kevin McMonagle knurrt und nimmt dabei die grimmige Haltung eines Bauern an, während er Kinos als „Orte des Schattens, errichtet dort, wo früher Gotteshäuser standen“ beklagt.

„Churchill in Moscow“ läuft bis zum 8. März, „Outlying Islands“ bis zum 15. März.

 

SPIELT AUCH 

Die Jahre (Harold Pinter Theatre, London) 

Urteil: HERstory 

Von Georgina Brown

Dieses außergewöhnliche Werk enthält häufig spielerische und fesselnde Elemente, da es die persönliche Autobiografie der Autorin Annie Ernaux, die von ihrer Kindheit bis zur Großmutterschaft reicht, gekonnt mit der umfassenderen Erzählung der Frau im 20. Jahrhundert verbindet – die Ereignisse wie die Luftangriffe von 1940 bis zum Beginn des digitalen Zeitalters umfasst. Im Wesentlichen stellt es eine einzigartige Mischung aus IHRER Geschichte und SEINER Geschichte dar.

Vor einem weißen Hintergrund nimmt eine der fünf Schauspielerinnen, die Annie in verschiedenen Lebensabschnitten darstellen, eine Position ein, die an ein altes Foto erinnert.

Als Lifestyle-Expertin, die über die Vergangenheit nachdenkt, nehme ich für einen Moment die ernste Haltung der jungen Annie ein, die sechs Jahre alt ist und schon die Last der Welt trägt. Die älteren Versionen meiner selbst stehen daneben, ihre Augen glitzern vor Erinnerungen, aber heute schwelgen wir nicht nur in Erinnerungen an unsere Kindheit; wir tauchen ein in die unausgesprochenen, unerzählten Geschichten. Wir sprechen von jüdischen Kindern, die damals im gleichen Alter wie Annie waren und Züge nach Auschwitz bestiegen – eine eindringliche Erinnerung an die dunkelsten Kapitel der Menschheitsgeschichte.

Nach und nach durchläuft Annie verschiedene Lebensabschnitte und erreicht Meilensteine ​​wie ihre erste Menstruation, den Verlust ihrer Jungfräulichkeit, die Schwangerschaft und den Beginn der Wechseljahre. Auf dieser Reise erlebt sie die gemischten Gefühle von Verwirrung, Aufregung, Schmerz, Trauer und Kummer, die jede Phase mit sich bringt.

Mit dem Fortschritt – der Pille, Fischstäbchen, Strumpfhosen – geht eine zunehmende Power und Autonomie der Frauen einher.

In dieser Produktion sind die Kulissen und Kostüme überwiegend schwarz-weiß, mit einigen Ausnahmen bei bestimmten Requisiten. Dramatisch gesehen erleidet Romola Garais Figur Annie nach einer illegalen Abtreibung in ihrer Küche eine Fehlgeburt. Interessanterweise führten diese emotional intensiven Szenen bei beiden Aufführungen, die ich besuchte, dazu, dass die Aufführung kurz unterbrochen wurde, damit die Zuschauer medizinische Hilfe erhalten konnten.

In einer passenden Darstellung symbolisiert eine gleichmäßig geteilte Aprikose die humorvolle und entscheidende Erkenntnis, die Anjli Mohindras Figur Annie in Bezug auf ihre Klitoris erlebt.

Dies ist keine Show für Zartbesaitete oder Prüde.

Mein Lieblingsmoment (und Zitat) ist, als Annie, die von Gina McKee hervorragend in ihren mittleren Jahren dargestellt wird, vor Vorfreude auf einen Nachmittag mit ihrem Partner überschäumt. Der Satz, der mir ins Auge fällt, ist: „Ich traue mich nicht, den Staubsauger einzuschalten, aus Angst, einen Anruf zu verpassen!“

Später lieben sie und Garai, beide vollständig bekleidet, geräuschvoll auf einem Stuhl.

Der Aerobic-Trend der 80er Jahre sorgt noch immer für Lacher; ebenso unterhaltsam ist es, Deborah Finlay in der Rolle der Annie zu sehen, die fehl am Platz wirkt, wenn sie ihren 40-jährigen Söhnen beim Reden über BlackBerries und Breitband zuhört und sich dabei wie eine uralte Gestalt vorkommt.

Eline Arbo interpretiert und leitet die Schauspielerei gekonnt neu und entlockt einem außergewöhnlichen Quintett von Darstellern bemerkenswert detaillierte und subtile Darstellungen. Absolut sehenswert.

Bis 19. April. 

 

Diese beunruhigende Oper erfüllt den Test der Familienfreundlichkeit mit Bravour, hinterlässt aber mit ihren Schimpfwörtern, simulierten Inhalten für Erwachsene, Inzestthemen und Selbstmordszenen dennoch einen starken Eindruck.

Festen (Königliches Opernhaus) 

Fazit: Ein bisschen wie Sandsäcke 

In unserem Haushalt verwenden wir einen bestimmten Maßstab für die Bewertung von Filmen, Fernsehsendungen, Bühnenstücken, Musicals und sogar Pantomimen: „Ist es für Mama geeignet?“ Dies bedeutet, ob der Inhalt die Zustimmung unserer Mutter findet.

Diese Oper ist definitiv nicht für Mütter geeignet (zum Glück war ich mit einer Freundin dort).

Sobald das Stück beginnt, entfaltet sich eine Flut expliziter Inhalte, darunter simulierte Sexszenen, anzügliche Inzestthemen, rassistische Beleidigungen, brutale Gewalt und Selbstmordtendenzen – um nur einige Elemente zu nennen.

Als eingefleischter Fan hat mich die transformative Adaption von Mark-Anthony Turnages und Lee Halls Meisterwerk „Festen“ fasziniert. Inspiriert von dem schaurigen gleichnamigen dänischen Film von 1998 unter der Regie von Thomas Vinterberg haben sie gekonnt eine einzigartige Version geschaffen, die in vielerlei Hinsicht von ihrem filmischen Vorgänger abweicht.

Helge, ein erfolgreicher Hotelbesitzer, und seine geschätzte Ehefrau Else luden zur Feier von Helges 60. Geburtstag in ihr Hotel ein und hießen sowohl Verwandte als auch enge Freunde willkommen.

Beim Abendessen halten verschiedene Familienmitglieder abwechselnd Reden, angefangen mit dem ältesten Sohn Christian, der offen über den sexuellen Missbrauch spricht, den er und seine verstorbene Zwillingsschwester Linda durch Helge erlitten haben.

Die gespielte Oper ist durchgehend von trockenem Humor geprägt, wobei einige Passagen von Toastmaster Helmut beigesteuert werden, der während der Veranstaltungen für Ordnung sorgt.

Der entscheidende Moment kommt, als die jüngere Schwester Helena einen Brief vorliest, den sie gefunden hat. Darin bestätigt Linda Christians Aussage, sie sei aufgrund der Misshandlungen ihres Vaters Selbstmord begangen haben.

In einer bewegenden Interpretation von Marta Fontanals-Simmons scheint der Geist von Linda vor Christian zu erscheinen. Diese Begegnung hinterlässt bei Christian und beim Publikum die tröstende Botschaft von Julian von Norwich: „Alles wird gut werden.“

Am nächsten Tag, als die Gäste sich zur Abreise bereit machten, verabschiedete sich Helge, der die Spuren einer Rauferei mit Michael zu tragen schien, als hätte es keinen Zwischenfall gegeben. Es wurde deutlich, dass das harmonische Äußere der Familie wieder intakt war.

Als glühender Bewunderer kann ich nicht anders, als von Turnages Meisterwerk fasziniert zu sein. Es ist ein anspruchsvolles Werk, das von seinen Zuhörern ein verfeinertes Gespür verlangt, doch die Musik, abwechselnd roh, ausdrucksstark und poetisch, schafft es, die Erzählung am Laufen zu halten. Sogar die Einbeziehung jener gewöhnlichen Melodien, die oft bei gesellschaftlichen Zusammenkünften gesungen werden, verleiht dem Werk eine einzigartige Wendung, die mich fesselt.

Ein großes Ensemble aus 25 Hauptfiguren sowie zusätzlichen Sängern, Schauspielern und Chormitgliedern setzte das Produktionsteam – Regisseure wie Richard Jones, Bühnenbildner wie Miriam Buether und Kostümbildner wie Nicky Gillibrand – unter erheblichen Druck. Sie stellten sich jedoch eindrucksvoll dieser Herausforderung und lieferten eine atemberaubende, kreativ gestaltete Aufführung.

Ich möchte jedem herausragenden Darsteller meine Anerkennung aussprechen: Allan Clayton als Christian, Stephane Degout als Michael, Clare Presland als Pia, Gerald Finley als Helge, Rosie Aldridge als Else, Natalya Romaniw als Helena, Philippa Boyle als Mette, Thomas Oliemans als Helmut und John Tomlinson als Opa.

Die folgenden Personen haben alle bemerkenswerte Leistungen gezeigt: Allan Clayton (Christian), Stephane Degout (Michael), Clare Presland (Pia), Gerald Finley (Helge), Rosie Aldridge (Else), Natalya Romaniw (Helena), Philippa Boyle (Mette), Thomas Oliemans (Helmut) und John Tomlinson (Opa).

In beiden Fällen bleibt die Bedeutung gleich, aber die Formulierung ist der Abwechslung halber leicht unterschiedlich.

Und Edward Gardner entlockt dem Orchester und William Spauldings Chor knisternde Ergebnisse.

REZENSION VON TULLY POTTER 

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2025-02-14 03:31