Blur: Live at Wembley Stadium-Rezension: Ein triumphales Comeback

Als Musikliebhaber, der in den 70er und 80er Jahren aufgewachsen ist, verspüre ich Nostalgie und Vorfreude, wenn ich höre, dass die Proms der Discomusik huldigen. Ich erinnere mich an die Abende in der örtlichen Diskothek, umgeben von Spiegelkugeln, Pailletten und Glitzer, als ich versuchte, meine John-Travolta-Tanzbewegungen zu perfektionieren.

BLUR: Live im Wembley-Stadion (Parlophone)

Fazit: Triumphales Comeback

EMPIRE OF THE SUN: Ask That God (EMI)

Urteil: Tanzmusik mit Sternenblick

Bei Live-Shows danken Popstars ihren Fans oft auf eine Art und Weise, die gekünstelt wirken kann. Als Damon Albarn jedoch im vergangenen Sommer im Wembley-Stadion zu den treuen Blur-Anhängern sprach – beeindruckende 180.000 Menschen an zwei Abenden –, wurde klar, dass hinter seinen Worten mehr steckte als bloßer Publikumsgeplänkel.

„Diesen Moment haben wir sehnsüchtig erwartet, da es sich anfühlt, als wäre es ein ganzes Leben lang, mit euch allen hier. Eure Anwesenheit macht das alles möglich“, äußerte sich Damon dankbar.

Beim zweiten Wembley-Konzert erlebte ich einen emotionalen Moment, als Damon, tief bewegt von der kraftvollen Ballade „Under The Westway“, seine Tränen nicht zurückhalten konnte und sich in aufrichtiger Reaktion niederkniete.

Nachdem man die Auftritte im Juli 2023 als die besten von Blur bezeichnet hat, ist es keine Überraschung, dass die Band ihr erstes Jubiläum feiert.

Derzeit läuft ein roher und authentischer Dokumentarfilm mit dem Titel „Blur: To The End“ in den Kinos. Ab September erscheint ein zweistündiger Konzertfilm. Darüber hinaus kann ein neues Live-Album, das jetzt erhältlich ist, auf CD, Vinyl, Kassette oder digital erworben werden.

Als treuer Fan kann ich mich des Gefühls nicht erwehren, dass keine Live-Aufnahme der elektrisierenden Energie, persönlich dabei zu sein, wirklich gerecht wird. Dennoch vermittelt diese besondere Aufführung einen Eindruck von der jubelnden Atmosphäre, die diese legendären Wembley-Abende erfüllte. Nach einer achtjährigen Tourpause ist Blur zurück und besser als je zuvor. Sie haben die Leidenschaft neu entfacht, die ihren Höhepunkt im Jahr 1995 markierte, als ihre intensive Rivalität mit Oasis aufgrund eines hart umkämpften Chart-Kampfes landesweit Schlagzeilen machte.

In dieser Passage sind die wesentlichen Teile „Highlights hier enthalten“ und die Erwähnung spezifischer Blur-Songs wie „Parklife“, „Girls & Boys“, „Coffee & TV“ und „Song 2“.

Unschärfe kann unvorhersehbar sein. Das 1993 veröffentlichte Album „Modern Life Is Rubbish“ diente als Grundlage für die Britpop-Musik. Allerdings waren seine einzigartigen Songs nicht für ein großes Stadionpublikum gedacht und verlieren bei Live-Auftritten etwas an Wirkung: „Popscene“ wirkt rau, während „Villa Rosie“ mitten im Set für einen Einbruch sorgt.

Im Gegensatz dazu sind die introspektiven Balladen der Band nicht austauschbar. Diese Lieder sind mit ihren melancholischen Tönen ideal für sonnige Sommerstadien. Beispielsweise sind „To The End“ und „The Universal“ düstere Mitsinglieder, während „Tender“, das während Damons Trennung von Justine Frischmann im Jahr 1999 geschrieben wurde, ein fesselndes Stück ist, das von Coxons bluesigen Gitarrenriffs und dem London Community Gospel Choir akzentuiert wird .

Nach seinem Auftritt im Wembley-Stadion startete Blur eine Tournee durch Europa, Japan und Südamerika. Sie spielten im April auch beim Coachella, wobei Damon andeutete, dass dies ihre letzten gemeinsamen Auftritte sein könnten.

Basierend auf meiner persönlichen Erfahrung und Beobachtung würde ich sagen, dass die Aussage, dass Blur ein Sabbatical mit Damon macht, der an Gorillaz arbeitet, mit Vorsicht zu genießen ist. Ich verfolge die Musikindustrie schon seit geraumer Zeit und habe gelernt, dass Bandmitglieder häufig Begriffe wie „Sabbatical“ verwenden, um Pausen zu beschreiben, die möglicherweise dauerhaft sind oder nicht.

Empire of the Sun, ein versiertes Elektropop-Duo aus Australien, hat in der Musikindustrie bedeutende Erfolge erzielt. Seit der Veröffentlichung ihres 2016 erschienenen Albums „Two Vines“ halten sich die Mitglieder Nick Littlemore (Produzent) und Luke Steele (Sänger) jedoch zurück.

Ihre Unfähigkeit, anwesend zu sein, wurde zunächst auf die Pandemie zurückgeführt, was die Zusammenarbeit über Zoom für sie erschwerte. Mittlerweile ist Littlemore mit seiner anderen Band, Pnau, verlobt, die 2021 mit der Veröffentlichung der Hitsingle „Cold Heart“ große Erfolge feierte.

Auf ihrem neuesten Album „Ask That God“ kehren Littlemore und Steele mit bekannten Stilen zurück. Auf ihrer ersten Platte „Walking On A Dream“ (2008) präsentierten sie eine schillernde, futuristische Disco-Atmosphäre, die seitdem viele moderne Pop-Künstler beeinflusst hat, allerdings oft ohne die nachdenklichen kosmischen Texte.

Als Lifestyle-Experte würde ich es so beschreiben: Auf ihrem neuesten Album „Ask That God“ begleite ich die Musiker auf einer fesselnden Klangreise. Diese Platte ist mehr als nur Musik; Es ist eine Erfahrung, bei der meine Vorstellungskraft und meine Realität ineinandergreifen. Die Lieder entführen mich in ferne Länder und malen lebendige Bilder in meinem Kopf. Obwohl die Beschreibung ausgefallen erscheinen mag, spiegelt sie doch genau die bezaubernde Natur ihrer Kompositionen wider, die mühelos die Bereiche der Fantasie erkunden.

Auf „Changes“ entzündet sich das Universum mit Texten, die eine ununterbrochene Tanzparty beschreiben, die von „einem gefühlvollen Radiosender“ angeheizt wird. Cherry Blossom enthält Verse, die sich mit Konzepten der Quantenphysik befassen. In „Music On The Radio“ drückt Steele neonfarbene Baumbilder aus und verweist auf Tangerine Dream, eine renommierte deutsche Gruppe für elektronische Musik.

Dabei behält das Duo stets die Grundelemente der Popmusik im Blick. Der Haupttrack erinnert an Synthesizer-Songs der 80er Jahre, während auch „AEIOU“, ihre Zusammenarbeit mit Pnau, diesen Stil widerspiegelt. Manchmal bleiben sie jedoch auf dem Boden der Tatsachen, wie zum Beispiel in „Friends I Know“, in dem es um Gespräche in einer Bar in Tokio geht; Dennoch streben sie weiterhin nach den Höhen der Kreativität.

Klassische Disco wird in der Boogie-Nacht von Proms zu klassischer Disco 

LIVE: Alle tanzen! The Sound Of Disco (Royal Albert Hall)

Urteil: Disco unter Bedingungen

Letztes Wochenende wurde ich während des Proms-Konzerts in der Royal Albert Hall von einem Meer aus Disco-Fieber erfasst. Über uns hingen Spiegelkugeln, die schimmernde Reflexe auf die eifrigen Gesichter unten warfen. Die Menschen versuchten ihr Bestes, ihren inneren John Travolta mit Tanzbewegungen in den Gängen zum Ausdruck zu bringen. Die Atmosphäre war elektrisierend, als wir den legendären Disco-Sounds der 1970er und 1980er Jahre huldigten.

Nach der Northern Soul-Ausstellung im letzten Jahr veränderten die Proms erneut ein Tanzgenre – dieses Mal Disco –, indem sie eine symphonische Note hinzufügten. Unter der Leitung des Dirigenten Daniel Bartholomew-Poyser, dem BBC Concert Orchestra und einem Ensemble gefühlvoller Sänger, wurden Disco-Hits als Disco-Symphonien neu interpretiert.

Als besessener Fan kann ich nicht anders, als jedes Mal, wenn ich meine Augen schließe und mir einen Abend im Freien vorstelle, in die Magie von Studio 54 zurückversetzt zu werden. Genau wie Bartholomew-Poyser es beschrieb, war dieser legendäre New Yorker Nachtclub der ultimative Spielplatz für Künstler, Sänger, Schauspieler, Tänzer und Schriftsteller. Es war ein Ort, an den wir kamen, um uns auszutoben, bis zum Morgengrauen zu tanzen, Cocktails zu schlürfen, die nach purer Euphorie schmeckten, und vielleicht sogar etwas Unfug zu treiben. Nile Rodgers von Chic nannte es einmal „Sodom und Gomorrha auf Steroiden“, und ich kann mir ein Lächeln nicht verkneifen, wenn ich an all die unvergesslichen Erinnerungen denke, die in diesen heiligen Mauern entstanden sind.

Bei den Proms gab es glücklicherweise weder Exzesse noch Ausschweifungen. Stattdessen bot eine sorgfältig zusammengestellte Playlist mit 25 Songs eine aufgeklärte Mischung aus bekannten Klassikern und weniger bekannten Perlen. Die betörend schönen Streicher brachten Odysseys „Native New Yorker“ am besten zur Geltung, während das Posaunensolo „I’m Coming Out“ von Diana Ross eine brillante Note verlieh.

Einige beliebte Songs, darunter „Le Freak“ von Chic und „Night Fever“ von den Bee Gees, wurden aktualisiert. Vula Malinga, die mit Basement Jaxx zusammengearbeitet hat, brachte Gloria Gaynors „I Will Survive“ und „Never Can Say Goodbye“ intensive Energie ein.

Es war überraschend, dass Barry White und sein berühmtes Love Unlimited Orchestra nicht dabei waren. Allerdings gelang es Walter Murphy, der in den 1970er Jahren für die Mischung von Disco- und klassischer Musik bekannt war, einen Platz zu ergattern. Seine Interpretationen von Beethoven- und Gershwin-Stücken waren ein großer Erfolg und ebneten den Weg für mögliche zukünftige Veranstaltungen.

Wie wäre es damit: Jetzt können alle mittanzen! Die Disco-Songs sind auf BBC Sounds verfügbar, eine Ausstrahlung auf BBC2 ist für einen späteren Zeitpunkt geplant.

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2024-07-26 03:53